En un principio este utensilio sirvió para que las mujeres de la realeza pudieran conservar el blanco de su piel, por ello su nacimiento puede deberse a algo relacionado con la belleza estética.
Sin embrago con el paso de los años, se perfeccionaron las formas y al descubrirse materiales más ligeros se pensó en la posibilidad de que este objeto sirviera también para que hombres y mujeres pudieran protegerse de la lluvia mientras caminan por las calles de su ciudad en uno de esos días en los cielo llora.
Yo soy de las que prefiere meter en el bolso las gafas de sol en lugar del paraguas. Pero de vez en cuando siempre se agradece que caigan unas gotitas de agua, para que puedan llenarse los ríos, y se rieguen las plantas.
En Barcelona, la verdad es que no llueve mucho, pero cuando lo hace como me suele pillar desprevenida no llevo paraguas. Por eso me mojo, pero me gusta. Me gusta caminar y danzar si voy con alguien sobre esa agua. Mientras disfruto de esa sensación observo a todo el que pasa a mi alrededor, y eso que llevan sujeto en la mano y se eleva hacia sus cabezas, los paraguas. ¡Cuánta variedad, y cuánta alegría! Aunque el cielo se tiña de negro en las calles hay luz y color, y eso es gracias a los paraguas. Mil formas y mil colores diferentes, que pueden incluso descubrirte la personalidad del ciudadano que pasa por tu lado, serio, bohemio, soñador, familiar…mira las formas de su paraguas, su tonalidad, su tamaño…
El Pese simple trozo de tela con un soporte no solo aparece en las las calles cuando llueve, también se cuela en el cine. E incluso puede llegar alcanzar destacables papees y es que su presencia a marcado películas históricas y mundialmente famosas, apareciendo por ejemplo en escenas del film “Cantando bajo la lluvia” o acompañando a Mary Poppins en sus viajes por Londres. Ya ves, en ocasiones también recobijan a los enamorados y sirben incluso de medios de transporte...
Sorolla dedicaría los últimos ocho años de su vida activa a estos catorce grandes paneles que sumarían más 200 metros cuadrados de lienzos (que se dice rápido) y serían expuestos en una misma sala del 
El tema inicial de esta pintura describe una escena típica andaluza, en concreto se trataría de la vendimia de Jerez. Al parecer el maestro no encontró un paisaje en la zona que le atrajera y terminó por mezclar varios espacios como un campo y unas vías de tren que daban dinamismo a la escena y transportaban el paisaje rural de chumberas a la modernidad. Los toros aparecen en un primer plano ofreciendo un efecto prácticamente teatral, como si fueran a salir del lienzo. En un segundo plano se contemplan un grupo de mayorales. Sorolla jugó con el color.
Muestra una escena de bailes, de bailes típicos captando el movimiento y la estética. Las mujeres son las grandes protagonistas del lugar, y se puede contemplar a la perfección el peso de la tela de sus coloridos vestidos. Descubrimos aquí la sensibilidad con el detallismo que guarda el pintor incluyendo gran cantidad de elementos ornamentales en las figuras femeninas (pendientes, anillos, sombrero).
El tercero de los cuadros es el primero de la exposición. El lugar que representa, Ayamonte, le parecía a Sorolla un paisaje plagado de color que podía ofrecerle infinidad de construcciones. Escogió finalmente la playa y ofreció una conjugación perfecta entre el paisaje y los personajes. El blanco y el azul organizan el panel.
Después de recorrer Castilla y crear relatos de pastores, Sorolla construyó su mayor obra; plasmó en estos 14 metros de mural a una multitud de gentes como figuras espontáneas, con sus vestidos tradicionales, típicos de la provincia, y al fondo de éstos colocó la Ávila amurallada. Ofreciendo así una amalgama de motivos y personajes, que le daban una sensación de movimiento a la escena.
A Sorolla le pareció muy hermoso el puerto de Barcelona para representar un paisaje mediterráneo, pero tras pasear por él no terminaba de encontrar las escenas que buscaba por eso creó esta escena de trabajo, una especie de lonja improvisada encima de unas rocas de Lloret, por la zona de Santa Cristina. Es muy importante en esta composición el matiz de color, y de nuevo volvemos a encontrar el “eje sorollista” formado por el blanco y el azul.
Para realizar esta pintura que muestra la recogida de dátiles por una decena de jornaleras y un trabajador, Sorolla se esperó en Elche hasta poder captar los frutos ya maduros y disponerlos en el mural con su justo tono. Con éste cuadro el pintor quiso reflejar otro de los aspectos que le había pedido el mecenas el acercamiento entre la cultura española y la africana, haciendo uso de las palmeras. Destaca en la pieza la luz tamizada que imita a la neblina.
Después de visitar varias zonas de Extremadura el tren de Sorolla se detuvo en Plasencia. Y allí, los tipos montehermoseños que acudían cada martes al mercado local le dieron la idea para el cuadro que representaría a las tierras extremeñas. La luz del lienzo es invernal. Por motivos de salud la parte superior del lienzo tubo que acabarla uno de sus ayudantes.
Intenta dar en este cuadro una luz diferente, digámosles una luz del norte, del atlántico con un azul peculiar, y jugando con los puntos de luz. En el cuadro se muestra un importante trabajo de composición con un toque de comedia ya que Sorolla entrelaza en este mural una típica feria de ganado con una romería, y a las romerías no iban precisamente los ganados. Con esta conjugación el maestro trata de disponer en un solo cuadro toda la esencia de Galicia.
En esta pieza, en lugar de situar la acción en el centro de la pintura, directamente la quita de las escena. Simplemente pone el jugador en un extremo y la bola en diagonal hacia el centro. Pero todo el protagonismo lo adquiere la chica sentada en el centro de la pieza. Se observa un juego de miradas entre la chica y el otro hombre que está a su lado de pié con lo que se muestra su capacidad para captar momentos. Trata cosas más táctiles, más inmediatas con una visión más humana. El paisaje está organizado en torno al color verde reflejando la esencia del País Vasco con el Monte Igueldo. 
Muestra una tradición que recuerda a un tratado de paz con Francia, se trata de un acto que se realiza cada 13 de julio en un pueblo llamado El Roncal desde 1375. En la pintura queda reflejada la procesión de las autoridades del valle del Roncal, vestidas con traje de época y con una bandera. Será la única de las pinturas donde pueda verse una figura autoritaria con motivo de reflejar su idea democrática de España.
En este cuadro se hace patente más el simbolismo que el realismo. Sorolla se inspiraría en las festividades de la Cruz de Mayo para realizar el cuadro que presentará una escena muy españolista repleta de luz y color con mucho movimiento.
Sorolla escogió una escena alejada de la lucha con el toro y pintó un paseíllo de las figuras antes de las corridas. Esas quince figuras masculinas aparecen vestidas de toreros en el centro, y los personajes se van traslapando unos con otros por diferencias de color en los trajes y las caras. Lo más llamativo es precisamente la definición de algunas de las figuras con otras que quedan emborronadas, unas en luz y otras en sombra, aludiendo a las dos partes propias de la plaza de toros.
Este oleo situaría su escena en la Semana Santa de Sevilla, concretamente en la procesión de la Virgen del Valle desde el convento de San Clemente. Los nazarenos dibujados miran directamente al espectador y se disponen como si estuvieran participando en una obra de teatro. Las preocupaciones principales de Sorolla para realizar estar obra se concentran en su intento de plasmar toda la plenitud del movimiento y la luz.
Sorolla se dio una vuelta por la catedral de Valencia justo en el momento en el que se estaban realizando los preparativos de la procesión de San Vicente Mártir. Al contemplar tal escena llena de colorido, decidió recogerla para incluirla en sus “Visiones de España”. Se trata de una imagen llena de vida, colorido, luz, gente alegre… (no olvidemos que ésta era su tierra natal).
